​​三大表演体系的核心区别在于其哲学基础与表演方法：斯坦尼斯拉夫斯基体系强调“体验真实”，演员需深度融入角色；布莱希特体系推崇“间离效果”，通过理性叙事引发批判思考；梅兰芳体系则讲究“写意美学”，以程式化表演传递意象，三者从不同维度构建戏剧表达的多元维度。​​

​​1. 斯坦尼斯拉夫斯基体系：真实体验的沉浸式表演​​
该体系由俄国戏剧家康斯坦丁·斯坦尼斯拉夫斯基创立，主张演员通过生理与心理记忆完全“化身”角色，追求舞台呈现的绝对真实。其标志性方法包括“情绪记忆”与“第四堵墙”概念，要求演员在排练中构建角色的前传细节（如撰写人物背景故事），并在表演中隔绝观众干预。经典剧目《海鸥》通过自然主义场景设计（如茶香与断续台词）营造生活幻象，使观众无意识代入角色的情感体验。这一体系为现代影视表演中“方法派”奠定基础，并广泛运用于注重个体情感的写实题材作品中。

​​2. 布莱希特体系：理性介入的社会剧场实验​​
德国戏剧家布莱希特提出的“叙事剧场”颠覆传统观演关系，强调演员与角色的“间离”与观众的主观能动性。例如在《伽利略传》中，插曲歌谣打断剧情连贯性，演员通过机械重复动作消解角色人性化，迫使观众以批判眼光审视社会问题。其核心概念“间离效果”（Verfremdungseffekt）通过灯光、叙事分层等手段打破舞台幻觉，将戏剧转化为引导思考的媒介。当代互动剧场常借鉴此理念，如演出中突然亮灯中断情感共鸣，构建艺术与现实对话的空间。

​​3. 梅兰芳体系：东方美学的意象化表达​​
根植于中国京剧传统，梅兰芳创造融合音乐、舞蹈与程式动作的表演体系。其“四功五法”（唱念做打、手眼身法步）非模仿生活实体，而是提炼为符号化审美符号。例如《贵妃醉酒》中演员以“卧鱼”身段象征嗅花，无需实物布景即可激发观众对自然景物的想象；《打渔杀家》通过虚拟摇橹动作与鼓点节奏，在空舞台投射江水意象。这种“离形得似”的写意美学，与斯坦尼斯拉夫斯基的“摹真”形成根本性差异，更贴近中国哲学对“神似”的美学追求。

综合来看，三大体系的差异本质是戏剧功能观的多元化体现：斯坦尼斯拉夫斯基体系专注个体心理的深度挖掘，布莱希特体系着眼社会批判的理性介入，梅兰芳体系追求意象生成的东方美学，共同构成戏剧艺术发展脉络中不可或缺的三重维度。现代创作者常混合取用不同体系技法，例如融合布莱希特的叙事结构与梅兰芳的视觉符号，以应对全球化语境下的多元观众需求。