​​与西方绘画相比，中国绘画有明显的写意性、散点透视、笔墨主导和留白意境四大核心差异​​。前者追求形似与科学再现，后者注重神韵与主观表达，二者在工具、技法、哲学基础上形成独特的美学体系。

中国绘画以毛笔、水墨、宣纸为媒介，线条不仅是造型手段，更是情感载体。​​“十八描”技法将线的艺术推向极致​​，如《八十七神仙卷》中飞舞的衣褶，完全脱离物象原有轮廓，成为独立的审美语言。西方绘画则弱化线条，通过明暗块面塑造体积，达芬奇的《蒙娜丽莎》便是焦点透视与解剖学的典范。

散点透视让中国画突破时空限制，手卷山水可“咫尺千里”，人物画常多视角并置。​​《千里江山图》中，观者仿佛飞行俯瞰，而西方风景画如康斯太勃尔的作品，严格遵循单点透视，还原人眼固定的视觉经验​​。这种差异源于“游观”与“定格”两种观察方式。

水墨的浓淡干湿取代了丰富色彩，​​“墨分五色”以单一墨色表现万象​​，八大山人的残荷败叶仅凭笔势便传递孤傲。西方油画则追求色彩的真实性与光感，印象派甚至将色彩科学化。中国画的留白更将“无画处”变为想象空间，马远的《寒江独钓》仅一舟一翁，满纸江水皆由空白暗示。

​​两种传统本质是“天人合一”与“模仿自然”的哲学碰撞​​。今日全球化语境下，理解这些差异不仅能深化艺术鉴赏，更为跨文化创作提供灵感——正如郎世宁的融合实验启示我们：差异非壁垒，而是对话的起点。