​​西方绘画注重写实，中国传统绘画注重意境，这一说法有一定依据，但并不绝对，两种绘画传统在表现手法与审美追求上存在差异，同时也随时代发展相互交融。​​

写实性是西方绘画自文艺复兴以来延续数百年的传统。从达芬奇的《蒙娜丽莎》到库尔贝的《打石工》，西方艺术家借助光影、透视、解剖学等科学手段，力求还原客观世界的真实感，这与其哲学中“模仿自然”的理念密不可分。相比之下，中国传统绘画更注重“外师造化，中得心源”，通过留白、散点透视、笔墨变化等手法传递画家内心的情感与哲学思考，如八大山人的孤鸟、倪瓒的枯笔山水，皆以意境取胜。

两种绘画体系并非完全对立。明清时期，徐渭、陈洪绶等画家在写意中融入写实技巧，宋代院体画也追求形神兼备；西方印象派后，梵高、毕加索等开始打破写实束缚，借鉴东方艺术的抽象表达。近现代更是出现跨界融合：中国画家徐悲鸿融合中西技法，徐冰的版画以装置形式重释传统，西方艺术家如克里姆特则汲取中国绘画的平面性与装饰性。

进入当代，写实与意境的界限进一步模糊。数字绘画可精细模拟超写实效果，同时融入赛博朋克式意象；中国新水墨画家在宣纸上叠加丙烯等综合材料，既保留笔墨韵味又拓展表现维度。“写实”与“意境”本质是两种美学语言，而非绝对的分类标准，艺术家可自由取舍，在真实与虚境中寻找新的平衡。

总而言之，无论中西方绘画，其核心均是创作者对世界的理解与表达。二者从分野到互鉴的演变史，印证了艺术发展始终在继承与突破间前行，为当代创作提供无限可能。未来，技术与观念的革新还将推动二者持续对话，催生更具突破性的表现形式。